Marco Fallani
Marco Fallani è un artista collocato in una dimensione atemporale. Lavora, concentratissimo sul proprio linguaggio, in un luogo concettuale fuori dal tempo. Le sue opere potrebbero sembrare – ad uno sguardo superficiale - orientate verso una modernità novecentesca, con attenzione esclusiva a modelli linguistici e strumenti materiali appartenenti al secolo scorso. Eppure c'è qualcosa di misterioso nelle sue creazioni che esula da questa prima impressione, un elemento che irradia inquietudine. Fallani ricerca una intensità fuori dagli schemi. Elabora una assolutezza dello stile che vive in profondità dentro la tessitura delle opere e le rende - in modi del tutto particolari - assolutamente nostre contemporanee.
Quadri con ciotole immerse nel buio, toccate dalla luce quel tanto che basta per farle risplendere dentro l'oscurità. Tazze di porcellana colorate, drammatizzate, minacciate dal nero, rappresentano l'unico punto in luce, l'unico elemento riconoscibile dentro una densa tenebra. E' il gioco dell'opposizione fra buio e luce, declinato ad un grado di grande raffinatezza: all'artista interessa soprattutto concentrare l'energia dell'intero dipinto sopra una scheggia-luce, sopra un oggetto che raggiunge in questo modo una intensità suprema. Altre volte realizza quadri di grande dimensioni raffiguranti interni di abitazioni, salotti, luoghi riservati alla vita privata. Sono opere degne di un Matisse psichedelico, per i colori adottati e per il modo in cui vengono dipinte. Sono spazi vibranti che sembrano in procinto di esplodere, decostruiti dall'interno, si tengono insieme solo perché sono percorsi da fiammanti flussi di energia cromatica. In un'altra serie di quadri di grande formato Marco Fallani dipinge foreste fantascientifiche, in cui la vegetazione prolifera in modo sensuale e preoccupante, saturando lo spazio di emozioni primordiali, incontrollabili, espresse con una fitta trama di spettacolari pennellate naturalistiche.
Marco Fallani is an artist who exists in a timeless dimension. He works, intensely focused on his own language, in a conceptual place outside of time. At first glance, his works might seem oriented toward 20th-century modernity, with exclusive attention to linguistic models and material tools belonging to the last century. Yet there is something mysterious about his creations that goes beyond this first impression, an element that radiates unease. Fallani seeks an intensity that is outside the box. He develops an absoluteness of style that lives deep within the texture of his works and makes them, in very particular ways, absolutely contemporary.
Paintings with bowls immersed in darkness, touched by just enough light to make them shine in the darkness. Colorful porcelain cups, dramatized, threatened by black, represent the only point of light, the only recognizable element in dense darkness. It is the play of opposition between darkness and light, declined to a degree of great refinement: the artist is primarily interested in concentrating the energy of the entire painting on a sliver of light, on an object that thus achieves supreme intensity. At other times, he creates large-scale paintings depicting interiors of homes, living rooms, and places reserved for private life. These works are worthy of a psychedelic Matisse, both for the colors used and the way they are painted. They are vibrant spaces that seem about to explode, deconstructed from within, held together only because they are traversed by flaming flows of chromatic energy. In another series of large-format paintings, Marco Fallani paints science fiction forests, in which vegetation proliferates in a sensual and disturbing way, saturating the space with primordial, uncontrollable emotions, expressed with a dense weave of spectacular naturalistic brushstrokes.
Marco Fallani, Firenze 2025, foto di Carlo Zei
Marco Klee Fallani è nato a New York il 14 aprile 1965. Ha frequentato l'Istituto d'Arte di Porta Romana e l'Accademia di Belle Arti di Firenze. Nel 1990 ha vinto una borsa di studio per un Master of Fine Arts al California College of Arts, che ha completato nel 1993. Ha collaborato alla realizzazione del monumento in bronzo a Joe Louis per la città di Detroit. Nel 2005 ha progettato la scenografia per la produzione del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino della versione operistica del libro di Maurice Sendak “Where the Wild Things Are”. Nello stesso anno gli viene commissionata dalla Syracuse University “The Huntress”, una scultura in terracotta a grandezza naturale che simboleggia la caccia alla conoscenza. Nel 2006 ha eseguito un dipinto per l'azienda di moda “Le Gatte Jeans”, che è stato pubblicato ed esposto in una mostra itinerante in tutte le principali città d'Europa e d'Asia. Nel 2008 Fallani ha commissionato a “Gherardini Hand Bags” un dipinto ispirato alla Gioconda di Leonardo. Il grande dipinto è stato utilizzato per realizzare una borsa a mano venduta a livello internazionale. Il dipinto ha viaggiato in musei in Italia, Francia e Giappone ed è stato esposto al Museo Leonardo Da Vinci di Vinci. Nel 2015 gli è stata commissionata un'installazione artistica da Gherardini per celebrare il loro 130° anniversario. Fallani ha ricoperto completamente l'edificio dell'azienda a Scandicci con 9 km di strisce colorate del tessuto firmato Gherardini. Fallani insegna dal 1987 in varie scuole di Firenze e negli Stati Uniti: Saci, Polimoda, Lorenzo De Medici, Florence University of Arts, California College of Arts e Syracuse University di Firenze, dove continua a insegnare pittura, disegno e scultura. I suoi dipinti e le sue sculture sono stati esposti in Italia, Stati Uniti, Paesi Bassi, Canada, Regno Unito e Russia. Marco Klee Fallani vive e lavora a Firenze, Italia.
Marco Klee Fallani was born in New York on April 14, 1965. He attended the Porta Romana Art Institute and the Academy of Fine Arts in Florence. In 1990, he won a scholarship for a Master of Fine Arts at the California College of Arts, which he completed in 1993. He collaborated on the creation of the bronze monument to Joe Louis for the city of Detroit. In 2005, he designed the set for the Teatro del Maggio Musicale Fiorentino's production of the opera version of Maurice Sendak's book “Where the Wild Things Are.” In the same year, he was commissioned by Syracuse University to create “The Huntress,” a life-size terracotta sculpture symbolizing the pursuit of knowledge. In 2006, he created a painting for the fashion company “Le Gatte Jeans,” which was published and exhibited in a traveling exhibition in all major cities in Europe and Asia. In 2008, Fallani commissioned Gherardini Hand Bags to create a painting inspired by Leonardo's Mona Lisa. The large painting was used to create a handbag sold internationally. The painting traveled to museums in Italy, France, and Japan and was exhibited at the Leonardo Da Vinci Museum in Vinci. In 2015, he was commissioned by Gherardini to create an art installation to celebrate their 130th anniversary. Fallani has been teaching since 1987 at various schools in Florence and the United States: Saci, Polimoda, Lorenzo De Medici, Florence University of Arts, California College of Arts, and Syracuse University in Florence, where he continues to teach painting, drawing, and sculpture. His paintings and sculptures have been exhibited in Italy, the United States, the Netherlands, Canada, the United Kingdom, and Russia. Marco Klee Fallani lives and works in Florence, Italy.
Valentina Biasetti
Seguendo la pittura di Valentina Biasetti da molti anni, ricordiamo giovani corpi circonfusi da aloni multicolori che li avvolgevano come saettanti arcobaleni elettrici. Erano figure evocate in modo prepotente, collocate dentro uno spazio bianco neutrale, suggerivano una promessa di felicità e pienezza, come fossero in attesa in una Età dell'Acquario imminente. Anche le opere recenti mantengono attiva la tensione fiammeggiante tra una descrizione super precisa - quasi asettica, documentale- ed una esplosione di energia versata dentro l'aria dell'opera. Il risultato è uno spettacolo di potente magnetismo, con grande atmosfera offerta allo sguardo dello spettatore. Pensiamo alla copertina di un disco dei Boards of Canada (Music has the right to children) investita dal calore di vibrazioni più vivaci. Non una visione congelata nella distanza di un attimo bloccato, ma un episodio in divenire, aperto a future trasformazioni. Valentina prosegue la sua originale ricerca: mediante gli strumenti del disegno e della pittura affronta il tema della figura femminile collocata in una situazione astratta ed atemporale. Ogni presenza è fissata dentro una teatralità essenziale (ma con speciale attenzione per le stoffe damascate che nascondono i corpi).
Spesso le protagoniste dei quadri si trovano vicine ad uno specchio d'acqua e sembrano influenzate dalle inquietudini trasmesse da questa dimensione raddoppiata. Sono figure collocate dentro una colorata foschia enigmatica, una specie di vapore rosa o arancione che rende tutta la situazione assai onirica e carica di ansie latenti (fare attenzione alle mani intrecciate che tengono stretto un vaso dal contenuto misterioso).
Le narrazioni visive di Valentina Biasetti sono il frutto di una mente potente, capace di processare e rielaborare in chiave personale molte suggestioni diverse provenienti dall'immaginario della Pop Art, dalla pubblicità, dal cinema più sperimentale, trasformandole in concrete rappresentazioni. L'artista esercita un ferreo controllo su ogni dettaglio delle immagini che produce, tuttavia in questo caso la tecnica non genera opere fredde, al contrario, Valentina Biasetti riesce sempre a salvare nelle sue emblematiche vestali una qualità fragile, una scintilla di commozione che mantiene alta la temperatura emozionale di ogni scena.
Having followed Valentina Biasetti's painting for many years, we remember young bodies surrounded by multicolored halos that enveloped them like flashing electric rainbows. These were figures evoked in a powerful way, placed within a neutral white space, suggesting a promise of happiness and fulfillment, as if they were waiting for an imminent Age of Aquarius. Even her recent works maintain the flamboyant tension between a super-precise, almost aseptic, documentary-like description and an explosion of energy poured into the air of the work. The result is a spectacle of powerful magnetism, with a great atmosphere offered to the viewer's gaze. Think of the cover of a Boards of Canada album (Music has the right to children) invested with the warmth of more lively vibrations. Not a vision frozen in the distance of a frozen moment, but an episode in the making, open to future transformations. Valentina continues her original research: through the tools of drawing and painting, she addresses the theme of the female figure placed in an abstract and timeless situation. Each presence is fixed within an essential theatricality (but with special attention to the damask fabrics that hide the bodies).
The protagonists of the paintings are often found near a body of water and seem influenced by the unease conveyed by this doubled dimension. They are figures placed within a colorful, enigmatic mist, a sort of pink or orange vapor that makes the whole situation very dreamlike and charged with latent anxieties (note the intertwined hands holding tightly to a vase with mysterious contents).
Valentina Biasetti's visual narratives are the fruit of a powerful mind, capable of processing and reworking in a personal key many different suggestions from the imagery of Pop Art, advertising, and experimental cinema, transforming them into concrete representations. The artist exercises strict control over every detail of the images she produces, yet in this case the technique does not generate cold works. On the contrary, Valentina Biasetti always manages to preserve a fragile quality in her emblematic vestals, a spark of emotion that keeps the emotional temperature of each scene high.
Valentina Biasetti, Firenze 2024, foto di Carlo Zei
Valentina Biasetti (Parma 1979) ha frequentato l’Accademia di Belle Arti di Bologna dove si è laureata con lode nel 2005. Dal 2002 inizia la sua attività espositiva in gallerie private e spazi pubblici, la selezione finalista ai principali concorsi d’arte Nazionali/Internazionali e fiere d’arte. La sua ricerca si sviluppa come un discorso sulla progressiva perdita d’identità della figura e degli oggetti rappresentati in relazione allo spazio che li circonda. Pieni e vuoti sono il tema del dialogo immaginario che si svolge in una dimensione quasi surreale, muta e silenziosa, uno spazio sospeso e atemporale che si presenta come luogo dell’Assenza. Tra le attività recenti e importanti del 2024 la partecipazione solo show ad Artefiera Bologna con la Galleria Quam, la mostra personale “La carne delle nubi” presso la UMA Gallery di Novara e la mostra personale “Si sogna prima di contemplare” alla Galleria QUAM di Scicli a cura di Albero Mattia Martini. Tra le principali esposizioni personali e collettive negli anni passati ricordiamo, Zaion Gallery (BI), The Blender Gallery, Athens (Atene), Pinacoteca di Varallo e Museo, Varallo (VC), Galleria Cartavetra (FI), Galleria Gare82 (BS), No Title Gallery (VE).
Valentina Biasetti (Parma, 1979) attended the Academy of Fine Arts in Bologna, where she graduated with honors in 2005. In 2002, she began exhibiting her work in private galleries and public spaces, and was selected as a finalist in major national and international art competitions and art fairs. Her research develops as a discourse on the progressive loss of identity of the figure and objects represented in relation to the space that surrounds them. Fullness and emptiness are the theme of the imaginary dialogue that takes place in an almost surreal, mute, and silent dimension, a suspended and timeless space that presents itself as a place of Absence. Among his recent and important activities in 2024 are his participation in a solo show at Artefiera Bologna with the Quam Gallery, the solo exhibition “La carne delle nubi” (The Flesh of the Clouds) at the UMA Gallery in Novara, and the solo exhibition “Si sogna prima di contemplare” (One Dreams Before Contemplating) at the QUAM Gallery in Scicli, curated by Albero Mattia Martini. Among the main solo and group exhibitions in recent years, we mention Zaion Gallery (BI), The Blender Gallery, Athens (Athens), Pinacoteca di Varallo e Museo, Varallo (VC), Galleria Cartavetra (FI), Galleria Gare82 (BS), and No Title Gallery (VE).
Marta Mancini
Pittura di elaboratissima semplicità ed innocenza. Orizzonti tracciati con suprema eleganza e concentrazione. Quadri in cui sono in scena sottili elementi decisivi e tutto deve essere eseguito in modo assolutamente adeguato perché è attraverso pochi gesti che si compie l'opera. Morbide linee di orizzonte attraversano lo spazio della tela, creando sia un movimento dolce, sia un fermo spazio impalpabile (ma dotato di grande presenza). Le opere di Marta Mancini possiedono un magnetismo interno che suggerisce calma e contemplazione. Esiste una dualità tra movimento ed immobilità, ma è un contrasto sviluppato dentro una grande delicatezza e con parsimonia. Regna un principio di sobrietà: l'utilizzo di minimi mezzi espressivi per ottenere un risultato emozionante.
Ci poniamo una domanda guardando i dipinti di Marta: questi quadri sono silenziosi o rumorosi ? Crediamo che custodiscano un eccelso silenzio. Sono dispositivi che permettono di visualizzare il silenzio. Davanti a questi paesaggi astratti sembra che non solo le tue facoltà visive siano acuite, ma anche, paradossalmente, sembra di riuscire ad ascoltare meglio. E ritorna la domanda: cosa ascoltiamo? Un silenzio declinato in molte sue specifiche caratteristiche: denso, lieve, vibrante, avvolgente. Un riferimento musicale per questo tipo di pittura potrebbe essere l'ambient music di Brian Eno. Non ci pare fuori luogo definire quella di Marta Mancini come una pittura d'ambiente, quindi atmosferica, sottile, attraversata da fremiti ed increspature che vanno a costruire una finissima tessitura. E' una disciplina pittorica tanto più convincente quanto meno prepotente risulta sul piano visivo: meno elementi sono in gioco, più penetrante è il suo fascino. Il gesto di questa artista tende verso una visione purificata da indesiderabili scorie. La presenza dei dettagli sovrani ci aiuta a percepire dentro la visione complessiva le linee di confine delicate e scintillanti.
Paintings of elaborate simplicity and innocence. Horizons traced with supreme elegance and concentration. Paintings in which subtle decisive elements are staged and everything must be executed in an absolutely appropriate manner because it is through a few gestures that the work is accomplished. Soft horizon lines cross the space of the canvas, creating both a gentle movement and an impalpable still space (but with a great presence). Marta Mancini's works possess an internal magnetism that suggests calm and contemplation. There is a duality between movement and immobility, but it is a contrast developed with great delicacy and parsimony. A principle of sobriety reigns: the use of minimal expressive means to achieve an exciting result.
Looking at Marta's paintings, we ask ourselves: are these paintings silent or noisy? We believe they hold a sublime silence. They are devices that allow us to visualize silence. Standing in front of these abstract landscapes, it seems that not only are your visual faculties heightened, but also, paradoxically, you seem to be able to hear better. And the question returns: what do we hear? A silence that comes in many specific forms: dense, light, vibrant, enveloping. A musical reference for this type of painting could be Brian Eno's ambient music. It does not seem out of place to define Marta Mancini's work as environmental painting, therefore atmospheric, subtle, traversed by tremors and ripples that build a very fine texture. It is a pictorial discipline that is all the more convincing the less overbearing it is on a visual level: the fewer elements at play, the more penetrating its charm. This artist's gesture tends towards a vision purified of undesirable debris. The presence of sovereign details helps us to perceive the delicate and sparkling boundary lines within the overall vision.
Marta Mancini, Firenze 2024, foto di Carlo Zei
Marta Mancini è nata a Jesi, dove vive e lavora. Dopo essersi diplomata all'Accademia di Belle Arti di Urbino in Pittura, espone le sue opere in numerose mostre collettive e personali. Il suo studio si trova nel centro storico di Jesi, in un’antica bottega orafa all’interno del Chiostro Sant’Agostino.
Marta Mancini was born in Jesi, where she lives and works. After graduating from the Academy of Fine Arts in Urbino with a degree in Painting, she exhibited her works in numerous group and solo exhibitions. Her studio is located in the historic center of Jesi, in an ancient goldsmith's workshop inside the Chiostro Sant'Agostino.
Foschini & Iacomelli
Angelo Foschini e Lavinia Iacomelli dipingono insieme opere che miracolosamente possiedono una precisa unità stilistica, una personalità, un marchio di fabbrica inconfondibile. Uno dei temi fondamentali del loro lavoro – ispirazione che si è mantenuta costante attraverso il tempo – è l'azione di abitare, con il conseguente oggetto privilegiato, la casa, declinato in molteplici forme. Di conseguenza trasportano su tela una serie di tipologie ben riconoscibili. la capanna primitiva, la misteriosa piramide, la palafitta, la villa moderna razionalista, una torre immersa nella foresta. Sono situazioni allestite sempre con i minimi elementi strettamente necessari, senza orpelli di nessun genere, perché queste architetture devono trionfare al centro della scena come giocattoli esemplari (non a caso i colori usati spesso ricordano quelli dei mattoncini Lego). Strutture scheletriche si stagliano contro uno sfondo giallo impossibile, vediamo paesaggi fluidi in cui terra, cielo, vegetazione ed architetture sembrano fatti della stessa materia gommosa. Questo tipo di costruzione pittorica emana un avvolgente flusso allucinatorio. Le opere di Foschini/Iacomelli negano il realismo e finiscono per produrre una sorta di dimensione alternativa in cui quello che vediamo è un segnale ambiguo, una rappresentazione che allude al altri spessori più nascosti.
Angelo Foschini and Lavinia Iacomelli paint works together that miraculously possess a precise stylistic unity, a personality, an unmistakable trademark. One of the fundamental themes of their work—an inspiration that has remained constant over time—is the act of inhabiting, with the resulting privileged object, the house, declined in multiple forms. As a result, they convey a series of easily recognizable types on canvas: the primitive hut, the mysterious pyramid, the stilt house, the modern rationalist villa, a tower immersed in the forest. These situations are always set up with the minimum elements strictly necessary, without any frills, because these architectures must triumph at the center of the scene like exemplary toys (it is no coincidence that the colors used often resemble those of Lego bricks). Skeletal structures stand out against an impossible yellow background, we see fluid landscapes in which earth, sky, vegetation, and architecture seem to be made of the same rubbery material. This type of pictorial construction exudes an enveloping hallucinatory flow. The works of Foschini/Iacomelli reject realism and end up producing a sort of alternative dimension in which what we see is an ambiguous signal, a representation that alludes to other, more hidden depths.
Tre domande a Foschini/Iacomelli
STANZA 251: Cominciamo da un tema che affrontate spesso nei vostri lavori: l'architettura. Dipingete capanne, casette isolate, roulotte, ville dall'aspetto modernista, antiche piramidi, le rampe di un misterioso scivolo da luna park acquatico. Tipologie molto differenti che sottoponete ad un trattamento sofisticato, in modo da creare oggetti esemplari, costruzioni isolate che acquistano la consistenza ambigua di un miraggio. Raccontateci questo vostro interesse per le architetture storiche e contemporanee, magicamente restituite dal regno del sogno al nostro sguardo.
FOSCHINI/IACOMELLI: L’architettura ha sempre rappresentato per noi un tema centrale, all’inizio del nostro percorso era il soggetto di sfondo, la presenza condizionante e a tratti necessaria alla caratterizzazione dei giovani personaggi che abitavano le tele. Nel passaggio attuale dei dipinti realizzati a smalto, l’architettura si è fatta protagonista assoluta di spazi sospesi tra la realtà e il filtro dello stupore. La materia scintillante dello smalto ha avvolto questi luoghi abitati e abitativi, immergendoli in una atemporalità che ci ha permesso di sondarne la forma. Questo nostro interesse è nato inizialmente dalla mappatura degli edifici dell’architettura popolare del secolo scorso, luoghi dell’infanzia e della memoria, luoghi vissuti amati o odiati, ma indelebilmente osservati e condivisi, edifici, villette, parchi di cemento tagliati dal sole, metafisicamente metabolizzati e digeriti senza risposta, oggetti fatti di dimensioni, elementi e scale, in cui immaginare di entrare, uscire, sostare, vivere. Nella serie delle capanne ci siamo chiesti quali fossero gli elementi essenziali che potessero definire visivamente un concetto di casa e ci siamo spinti a restituirli sintetizzando l’estetica di luoghi del vissuto in senso più ampio, come prefabbricati, roulotte o forme simili a giganteschi templi.
STANZA 251: Un altro soggetto che sembra costantemente al centro della vostra ispirazione è il paesaggio naturale. Però lo elaborate secondo modalità anti-realistiche: evidentemente la vostra idea non è quella di documentare un bosco o la superficie di un lago in modo esatto, Mettete in scena sempre uno scarto visivo che rende la scena irreale, creando una atmosfera inquietante perché gli elementi del paesaggio finiscono per suggerire incertezza ed una fragilità quasi soprannaturali.
FOSCHINI/IACOMELLI: Nella ricerca sul paesaggio cerchiamo di innestare o evidenziare un punto di rottura, un elemento reale o fantastico che porti la scena di partenza altrove; è il nostro modo per spostare la riflessione lontano dal dato visibile e ampliare le possibilità concettuali dell’immagine. L’obiettivo è quasi sempre quello di esortare ad accorgersi di quello che c’è di fronte ai nostri occhi attraverso ciò che non c’è veramente, non è mai stato lì, non dovrebbe o potrebbe essere in quel luogo. Non ha però la finitezza surrealista del definirsi in un contesto con dei meccanismi sognati, scaturisce piuttosto da una forzatura del dato reale di partenza che manipoliamo fino a minare la struttura del tutto. Spesso i paesaggi da cui prendiamo spunto fanno parte dell’urbano periferico o al contrario, dell’iconicamente abusato. Rimodellare le forme e i contesti del flusso quotidiano, del banale, del solito, ci permette di usare un tipo di estetica già presente, con una sorta di atteggiamento anticonsumistico, qualcosa che ci fa continuamente riflettere su quanto nutrimento visivo abbiamo a disposizione dove non sembra esserci. Attraverso un piccolo sforzo immaginativo è possibile suggerire “città invisibili”, basate sulle necessità umane di sopravvivenza e conservazione, fino a spingerci a riflettere su quanto abbiamo da preservare da ogni distruzione.
STANZA 251: La rappresentazione della figura umana all'inizio della vostra attività era collocata in un raggio d'azione tra un netto realismo ed una moderata accentuazione delle forme di stampo espressionistico. Successivamente avete cambiato registro, trattando i corpi in modo molto efficace, con deformazioni più estreme, quasi fantascientifiche, oppure inserendo queste figure in un contesto surreale, dentro una specie di realtà totalmente impossibile.
FOSCHINI/IACOMELLI: La figura ha sempre rappresentato per noi un luogo d’indagine, un retaggio visivo di formazione, e un’architettura essa stessa, a cui appellarsi strutturalmente per certificare la presenza naturale dell’essere umano nel flusso mai completamente chiuso e definito della realtà. Abbiamo inizialmente usato la tela come scacchiere e la figura come regina inconsapevole e solo apparentemente libera dai dettami della realtà architettonica da cui era circondata. Successivamente abbiamo rappresentato i personaggi delle nostre tele con formule espressioniste, incastonate nei luoghi da cui provenivano o che si erano andati a cercare, contribuendo alla realizzazione strutturale del contesto che animavano. Nelle serie recenti invece abbiamo optato per una figura che avesse la capacità e la necessità di intervenire sulla realtà circostante per plasmarla, per farsi elemento di costante partecipazione dello spazio della tela, e per scardinare alcune costrizioni della forma suggerendo una possibilità alternativa di vissuto, anche laddove non sembrava poterci essere.
Three Questions to Foschini/Iacomelli
STANZA 251: Let's start with a theme that you often address in your work: architecture. You paint huts, isolated cottages, caravans, modernist-looking villas, ancient pyramids, and the ramps of a mysterious water park slide. These are very different types of structures that you subject to sophisticated treatment, creating exemplary objects, isolated constructions that take on the ambiguous consistency of a mirage. Tell us about your interest in historical and contemporary architecture, magically brought back from the realm of dreams to our gaze.
FOSCHINI/IACOMELLI: Architecture has always been a central theme for us. At the beginning of our journey, it was the background subject, the conditioning and at times necessary presence for the characterization of the young characters who inhabited the canvases. In the current transition to enamel paintings, architecture has become the absolute protagonist of spaces suspended between reality and the filter of wonder. The sparkling material of enamel has enveloped these inhabited and habitable places, immersing them in a timelessness that has allowed us to probe their form. Our interest initially arose from mapping the buildings of popular architecture from the last century, places of childhood and memory, places that were loved or hated but indelibly observed and shared, buildings, villas, concrete parks cut by the sun, metaphysically metabolized and digested without response, objects made of dimensions, elements, and scales, in which to imagine entering, exiting, stopping, and living. In the series of huts, we asked ourselves what were the essential elements that could visually define a concept of home, and we pushed ourselves to recreate them by synthesizing the aesthetics of places of experience in a broader sense, such as prefabricated buildings, caravans, or forms similar to giant temples.
STANZA 251: Another subject that seems to be constantly at the center of your inspiration is the natural landscape. However, you elaborate it in an anti-realistic way: clearly, your idea is not to document a forest or the surface of a lake in an exact way. You always stage a visual deviation that makes the scene unreal, creating an unsettling atmosphere because the elements of the landscape end up suggesting uncertainty and an almost supernatural fragility.
FOSCHINI/IACOMELLI: In our research on landscape, we try to insert or highlight a point of rupture, a real or imaginary element that takes the initial scene elsewhere; this is our way of shifting our reflection away from the visible and expanding the conceptual possibilities of the image. The goal is almost always to encourage people to notice what is in front of our eyes through what is not really there, has never been there, should not or could not be in that place. However, it does not have the surrealist finiteness of defining itself in a context with dreamlike mechanisms; rather, it stems from a forcing of the real starting point that we manipulate to the point of undermining the structure of the whole. Often, the landscapes from which we draw inspiration are part of the urban periphery or, conversely, the iconically abused. Remodeling the forms and contexts of the daily flow, of the banal, of the usual, allows us to use a type of aesthetic that is already present, with a sort of anti-consumerist attitude, something that makes us continually reflect on how much visual nourishment we have available where there seems to be none. With a little imaginative effort, it is possible to suggest ‘invisible cities’, based on human needs for survival and conservation, to the point of prompting us to reflect on how much we have to preserve from destruction.
STANZA 251: At the beginning of your career, your representation of the human figure ranged from stark realism to a moderate accentuation of expressionistic forms. You later changed register, treating bodies in a very effective way, with more extreme, almost science fiction-like deformations, or placing these figures in a surreal context, within a kind of totally impossible reality.
FOSCHINI/IACOMELLI: The figure has always represented for us a place of investigation, a visual legacy of formation, and an architecture in itself, to which we can structurally appeal to certify the natural presence of the human being in the never completely closed and defined flow of reality. We initially used the canvas as a chessboard and the figure as an unwitting queen, only apparently free from the dictates of the architectural reality that surrounded her. Subsequently, we represented the characters in our canvases with expressionist formulas, set in the places they came from or had gone to seek, contributing to the structural realization of the context they animated. In recent series, however, we have opted for a figure that has the ability and the need to intervene in the surrounding reality in order to shape it, to become an element of constant participation in the space of the canvas, and to break down some of the constraints of form, suggesting an alternative possibility of experience, even where it did not seem possible.
Angelo Foschini e Lavinia Iacomelli, Firenze 2024, foto di Carlo Zei
Angelo Foschini (1973) e Lavinia Iacomelli (1975), vivono e lavorano a Livorno. Laureati nel 2000 all’Accademia di Belle Arti di Carrara, lavorano insieme dal 2001 nell’ambito delle arti visive dipingendo ed esponendo in gallerie private e spazi pubblici. Affiancano alla loro produzione l’insegnamento delle arti visive nella scuola pubblica, e l’organizzazione di corsi e laboratori creativi per bambini e adulti in spazi privati. Dal 2001 al 2010 hanno lavorato ad un progetto pittorico comune realizzando opere a quattro mani, sotto il nome di Koroo. Hanno tenuto mostre personali e collettive in Italia e all’estero, collaborando con gallerie e partecipando a fiere d’arte contemporanea. Dal 2011 lavorano a progetti comuni utilizzando la firma Foschini/Iacomelli.
Angelo Foschini (1973) and Lavinia Iacomelli (1975) live and work in Livorno. Graduating in 2000 from the Accadamia delle belle Arti in Carrara, they have been working together since 2001 in the field of visual arts, painting and exhibiting in private galleries and public spaces. Alongside their artistic production, they teach visual arts in public schools and organize creative courses and workshops for children and adults in private spaces. From 2001 to 2010, they worked on a joint painting project, creating works together under the name Koroo. They have held solo and group exhibitions in Italy and abroad, collaborating with galleries and participating in contemporary art fairs. Since 2011, they have been working on joint projects under the name Foschini/Iacomelli.
Monique Dukker
Piscine situate in aperta campagna, circondate da scuri ed alti alberi, senza presenze umane. Paesaggi sospesi in un tempo ambiguo: qualcosa è già accaduto, oppure qualcosa sta per accadere, di conseguenza ci troviamo catturati dentro una atmosfera misteriosa. Nelle visioni create da Monique Dukker l'architettura delle piscine e dei canali si confronta in modo epico con la natura. La vegetazione e gli alberi sono dipinti in modo da risultare dense masse impenetrabili, come se possedessero una qualità di super compattezza capace di assorbire tutta la luce. Queste masse scure si specchiano nelle acque che invece contengono luminosità e sfumature celesti. Sono opere di apparente ed ingannevole semplicità. Quadri di piccole dimensioni - silenziosi e solenni – capaci di fermare il tempo. Evocano una splendente solitudine.
Pools located in open countryside, surrounded by dark and tall trees, with no human presence. Landscapes suspended in an ambiguous time: something has already happened, or something is about to happen, consequently we find ourselves caught inside a mysterious atmosphere. In the visions created by Monique Dukker, the architecture of pools and canals confront nature in an epic way. Vegetation and trees are painted to be dense impenetrable masses, as if they possessed a quality of super compactness capable of absorbing all light. These dark masses are mirrored in waters that instead contain celestial luminosity and hues. These are works of apparent and deceptive simplicity. Small paintings - silent and solemn - capable of stopping time. They evoke a shining solitude.
Monique Dukker, Firenze 2024, foto di Carlo Zei
Monique Dukker è originaria di Amsterdam, dove ha conseguito una laurea in Arte e attualmente dipinge e insegna. È membro di varie associazioni di artisti, come "Arti in Amsterdam". Il suo lavoro si concentra su dipinti astratti a pigmenti e paesaggi astratti.
Monique Dukker is originally from Amsterdam, where she earned a degree in Art and currently paints and teaches. She is a member of various artists' associations, such as "Arts in Amsterdam." Her work focuses on abstract pigment paintings and abstract landscapes.
Enrico Bianda
L'occhio vivente del giornalista culturale. La fotografia come pratica di conoscenza e di riflessione sul tempo in cui ci troviamo a vivere. Lo sguardo di Enrico Bianda isola i soggetti che decide di raccontare – architetture nella città, passanti colti al volo per strada, paesaggi naturali - con grande consapevolezza. Sono le fotografie di un esperto viaggiatore e di un instancabile lettore che – per motivi di lavoro e per passione – ha sviluppato in anni di lavoro la capacità di selezionare i temi più appassionanti da proporre al proprio pubblico. Le sue immagini servono a mappare un territorio fisico e mentale, esprimono le inquietudini contenute in un frammento di esperienza, offrono all'osservatore una serie di istruzioni per l'uso del mondo, sotto forma di preziosi attimi sottratti al fluire delle illusioni.
The living eye of the cultural journalist. Photography as a practice of knowledge and reflection on the time in which we live. Enrico Bianda's gaze isolates the subjects he decides to narrate - architecture in the city, passers-by caught on the street, natural landscapes - with great awareness. These are the photographs of an expert traveller and an indefatigable reader who - for reasons of work and passion - has developed over the years the ability to select the most exciting subjects to propose to his audience. His images serve to map a physical and mental territory, they express the anxieties contained in a fragment of experience, they offer the observer a series of instructions on how to use the world, in the form of precious moments subtracted from the flow of illusions.
Enrico Bianda, Firenze 2022, foto di Carlo Zei
Enrico Bianda è nato nel 1971 vicino a Zurigo. Giornalista, ha insegnato alle Facoltà di Media e giornalismo e Scienze Politiche dell’Università di Firenze per una quindicina di anni. Attualmente guida l’attualità della Rete Due della RSI, la Radio pubblica svizzera. Vive a Lugano. Per anni ha girato il mondo come reporter documentando i suo viaggi con servizi fotografici.
Enrico Bianda was born in 1971 near Zurich. A journalist, he taught at the Faculties of Media and Journalism and Political Science at the University of Florence for some fifteen years. He currently leads current affairs on Rete Due of RSI, Swiss Public Radio. He lives in Lugano. For years he travelled the world as a reporter documenting his travels with photo reports.
Andrew Smaldone
Nella molteplicità di soggetti che attraverso gli anni si sono depositati dentro la pittura di Andrew Smaldone – cervi intravisti nel fitto bosco, solitarie piante con le foglie protese verso il nulla, spettrali camere dalle nude pareti – un elemento fondamentale resta immutato. Al centro dell'operazione espressiva troviamo sempre la restituzione di un sogno immobile e concluso, il corrispettivo visivo di una illuminazione onirica. Una scalinata vuota si staglia contro il cielo, una luce misteriosa imprigiona le architetture dentro un'atmosfera di inquieta sospensione, ogni luogo brilla collocato fuori dal tempo. Anche nell'altro versante del suo lavoro - le opere non figurative in cui il colore domina la scena come unico attore – questa sensazione di incantamento ipnotico resta un elemento della massima importanza.
In the multiplicity of subjects that through the years have been deposited within Andrew Smaldone's painting - deer glimpsed in the dense forest, solitary plants with leaves stretched out toward nothingness, ghostly rooms with bare walls - one fundamental element remains unchanged. At the center of the expressive operation we always find the restitution of a still and concluded dream, the visual counterpart of a dreamlike illumination. An empty staircase is silhouetted against the sky, a mysterious light imprisons the architecture within an atmosphere of restless suspension, each place shines placed outside of time. Even in the other side of his work-the non-figurative works in which color dominates the scene as the sole actor-this feeling of hypnotic enchantment remains an element of the utmost importance.
Andrew Smaldone, Firenze 2022. Fotografia di Carlo Zei
Andrew Smaldone è nato nel 1978 a Denver, Colorado USA. Smaldone realizza lavori in cui superficie, colore e spazio sono primari, un processo avviato nel 2005 durante i suoi studi presso il Central Saint Martins di Londra. Ha vinto vari premi importanti come la Pollock Krasner Foundation Grant nel 2015 e sono molte le esposizioni negli Stati Uniti, in Europa e nel Regno Unito.
Andrew Smaldone was born in 1978 in Denver, Colorado USA. Smaldone makes work in which surface, color and space are primary, a process he began in 2005 during his studies at Central Saint Martins in London. He has won several major awards such as the Pollock Krasner Foundation Grant in 2015, and there are many exhibitions in the United States, Europe, and the United Kingdom
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Andrew Smaldone in Stanza 251:
Luca Matti
Quella di Luca Matti è una pittura di narrazione che racconta sempre una storia attraverso un teatro di figure esemplari. Se al centro della scena troviamo personaggi umani, sono stati sottoposti ad un trattamento assai speciale, secondo una linea di deformazioni fisiche e mentali che parte da Franz Kafka, si sviluppa attraverso le ossessioni di William Burroughs e giunge alle inquietanti anomalie esplorate dal cinema di David Cronenberg e David Lynch. Quando tratta l'altro suo tema principale, il paesaggio architettonico, vediamo città-alveare, con i massicci palazzi che crescono uno sull'altro. Sembrano risucchiare l'ossigeno dal cielo grigio ed occupano tutto lo spazio disponibile, fino a costruire una visione infernale. Lo stile pittorico possiede una immediata forza comunicativa, ma rielabora in modo sofisticato molte suggestioni dell'espressionismo tedesco di inizio Novecento. Anche grazie ad una particolare scelta cromatica (concentrata esclusivamente su tonalità del grigio, nero, seppia) le opere di Matti irradiano un senso di solitudine notturna, combinando incisività fumettistica e profondità esistenziale.
Luca Matti's is a narrative painting that always tells a story through a theater of exemplary figures. If we find human characters at the center of the scene, they have been subjected to a very special treatment, along a line of physical and mental deformations that starts with Franz Kafka, develops through the obsessions of William Burroughs, and arrives at the disturbing anomalies explored by the cinema of David Cronenberg and David Lynch. When he deals with his other main theme, the architectural landscape, we see hive cities, with massive buildings growing on top of each other. They seem to suck the oxygen from the gray sky and occupy all available space, until they build a hellish vision. The painting style possesses an immediate communicative force, but it reworks in a sophisticated way many suggestions from early 20th century German expressionism. Also thanks to a particular color choice (focused exclusively on shades of gray, black, sepia) Matti's works radiate a sense of nocturnal loneliness, combining the incisiveness of comics and existential depth.
Luca Matti, Livorno 2015. Fotografia Carlo Zei
Luca Matti nasce a Firenze nel 1964. Si occupa a lungo di fumetto, illustrazione e grafica, collaborando con case editrici, riviste e agenzie pubblicitarie. Dai primi anni 90 si dedica alla pittura e prendono forma con materiali di recupero le sue prime sculture. La gomma della camera d’aria diviene uno dei materiali più utilizzati nel suo lavoro scultoreo. Dal 1994 il suo lavoro si concentra sulla tematica della città eliminando il colore e usando solo il bianco e nero. Nel suo lavoro non ci sono confini tra disegno, pittura, scultura e videoanimazione. I vari linguaggi si condizionano e si contaminano reciprocamente, dando vita a un immaginario metropolitano.
Luca Matti was born in Florence in 1964. He worked for a long time in comics, illustration and graphics, collaborating with publishing houses, magazines and advertising agencies. Since the early 1990s he has devoted himself to painting and his first sculptures take shape with recycled materials. Inner tube rubber becomes one of the most used materials in his sculptural work. Since 1994 his work has focused on the theme of the city by eliminating color and using only black and white. In his work there are no boundaries between drawing, painting, sculpture and video animation. The various languages condition and contaminate each other, resulting in metropolitan imagery.
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Luca Matti su Stanza 251:
Bärbel Reinhard
Bärbel Reinhard nella sua concezione del lavoro fotografico riesce ad esprimere una doppia anima. La prima è quella di evocatrice di incanti lunari, quando elabora immagini stregate ed affascinanti. Montaggi di paesaggi, escursioni notturne e surrealistiche, con dettagli splendenti, materiali assemblati per un'occasione enigmatica, come seguendo una ritualità nascosta sotto la superficie dei colori intensi. La sua seconda anima è quella dell'accuratezza manipolatoria, una lucente esattezza mentale che la guida nella scelta degli orizzonti visivi, quando mostra di padroneggiare in modo assoluto le logiche di costruzione e decostruzione dei collage fotografici. Nella sua ricerca si fondono il calore dell'ispirazione e la ferrea determinazione di una mente ordinatrice. Una narrazione avvincente, al tempo stesso catalogazione scientifica e ricomposizione di fantastici mondi impossibili.
Bärbel Reinhard, in her conception of photographic work, manages to express a dual soul. The first is that of evoker of lunar enchantments, when she processes bewitching and fascinating images. Montages of landscapes, nocturnal and surrealistic excursions, with shining details, materials assembled for an enigmatic occasion, as if following a rituality hidden beneath the surface of intense colors. Her second soul is that of manipulative accuracy, a shining mental exactitude that guides her in her choice of visual horizons, when she shows her absolute mastery of the logic of construction and deconstruction of photographic collages. The warmth of inspiration and the iron determination of an ordering mind merge in her research. A compelling narrative, at once a scientific cataloguing and a recomposition of fantastic impossible worlds.
Bärbel Reinhard, Firenze 2023. Fotografia di Carlo Zei.
Bärbel Reinhard è nata nel 1977 a Stoccarda in Germania. Dopo la laurea in Storia dell'Arte e Sociologia alla Humboldt-Universität di Berlino si è diplomata in Fotografia Professionale presso la Fondazione Studio Marangoni di Firenze, dove insegna attualemente accanto al lavoro come fotografa freelance. Ha partecipato a numerosi workshop con fotografi e curatori internazionali e ha esposto in numerose mostre in Italia e all'estero.
Bärbel Reinhard was born in 1977 in Stuttgart, Germany. After graduating in Art History and Sociology from the Humboldt-Universität in Berlin, she graduated in Professional Photography from the Fondazione Studio Marangoni in Florence, where she currently teaches alongside her work as a freelance photographer. She has participated in numerous workshops with international photographers and curators and has exhibited in numerous exhibitions in Italy and abroad.
Tomoko Sugahara
Realizzate mediante lente ed accuratissime stesure di colore sovrapposte, le opere di Tomoko Sugahara trasmettono sempre una serie di radiazioni tranquille. In contrasto con il loro elaborato processo esecutivo –profonda attenzione, gesti ripetuti per settimane, abitudini di lunga durata- i suoi lavori non suggeriscono un senso di fatica o sforzo ma anzi, sorprendentemente, emanano sensazioni di leggerezza e fluidità felice. Sono ritagli di spazio astratto con impatto visivo immediato. Sembrano deserti di ceneri iridescenti, oppure fondali marini. Sono superfici levigate, ma non statiche, al contrario, sono cieli sempre solcati da energie in movimento che producono anche rotture nell'unità della superficie pittorica. Qua e là accadono piccoli incidenti, vortici e macchie, residui di sottili correnti magnetiche.
Made by slow and careful layering of color on top of one another, Tomoko Sugahara's works always convey a series of tranquil radiations. In contrast to their elaborate execution process -deep attention, repeated gestures over weeks, long-lasting habits- her works do not suggest a sense of fatigue or effort but rather, surprisingly, emanate feelings of lightness and happy fluidity. They are abstract cutouts of space with immediate visual impact. They look like deserts of iridescent ash, or seabeds. They are smooth surfaces, but not static; on the contrary, they are skies always furrowed by moving energies that also produce ruptures in the unity of the pictorial surface. Here and there little accidents happen, swirls and spots, remnants of subtle magnetic currents.
Tomoko Sugahara, Livorno 2015. Fotografia Carlo Zei
TOMOKO SUGAHARA è nata a Tokyo nel 1963. Laureata in pittura presso la Tokyo National University of fine Arts and Music nel 1988, successivamente ha ottenuto un master in Belle Arti con specializzazione in pittura murale, affresco e mosaico, presso la stessa Università. Ha soggiornato a lungo in Italia, studiando presso L’Accademia di Belle Arti di Firenze. Attualmente collabora con varie Università giapponesi insegnando pittura e tecniche del mosaico.
TOMOKO SUGAHARA was born in Tokyo in 1963. She received a bachelor's degree in painting from Tokyo National University of fine Arts and Music in 1988, and later obtained a master's degree in fine arts with a specialization in mural painting, fresco and mosaic at the same university. She stayed in Italy for a long time, studying at L'Accademia di Belle Arti in Florence. He currently collaborates with various Japanese universities teaching painting and mosaic techniques.
Stefano Loria
Stefano Loria svolge una fiduciosa ricerca nell'ambito della pittura astratta. Convinto che oggi sia possibile selezionare modelli contrastanti per dare una forma coerente al proprio linguaggio, costruisce dipinti che sono il frutto di differenti tensioni. Se il punto di partenza è sempre la stesura di una quieta superficie monocroma, in un secondo tempo intervengono altri elementi ad arricchire il campo visivo. Minimali linee geometriche in rilievo solcano lo spazio, ritagliando un perimetro vuoto, sono figure della misura e della razionalità. In certe zone periferiche della tela arrivano leggere sfumature tonali a creare un' atmosfera nebulosa, sono figure di una più libera corrente istintiva. Campi lisci vengono accostati ad altri settori coperti da una materia densa, solcata da rigature ed incidenti. E' una pittura costruita su espliciti dislivelli. Accuratezza del progetto e calore della folgorazione improvvisativa, sono questi i piani mentali che si sovrappongono generando le opere.
Stefano Loria carries out confident research in the field of abstract painting. Convinced that today it is possible to select contrasting patterns to give a coherent form to his language, he constructs paintings that are the result of different tensions. While the starting point is always the laying down of a quiet monochrome surface, later other elements intervene to enrich the visual field. Minimal geometric lines in relief furrow the space, carving out an empty perimeter; they are figures of measure and rationality. In certain peripheral areas of the canvas, light tonal shades arrive to create a hazy atmosphere; they are figures of a freer instinctive current. Smooth fields are juxtaposed with other areas covered by a dense matter, furrowed by scratches and accidents. It is a painting built on explicit unevenness. Accuracy of design and warmth of improvisational thunderbolt, these are the mental planes that overlap generating the works.
Stefano Loria, Firenze 2020. Fotografia Carlo Zei
Stefano Loria è nato nel 1961 a Firenze, città in cui vive e lavora.
Stefano Loria was born in 1961 in Florence, the city where he lives and works.
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Carlo Zei
Una fotografia che si sviluppa a partire da salde premesse di impianto realistico, la volontà sembra quella di identificare ed estrarre dal gran teatro del mondo una serie di oggetti selezionati che possano elevarsi ad emblemi. Le scritte eloquenti ("La certezza") lasciate sopra il muro di un quartiere di periferia, i dettagli meccanici custoditi all'interno di una macchina misteriosa, una platea di sedili vuoti – corrosi dalle intemperie – all'interno di una deserta arena all'aperto. Visioni restituite in un bianco e nero denso, spesso molto contrastato, con ombre nerissime che possono acquistare il peso di lastre impenetrabili e diventare protagoniste dell'immagine. Probabilmente è proprio l'uso del bianco e nero ad allontanare il lavoro fotografico di Carlo Zei dal realismo che pareva lo spessore principale delle immagini. A guardare meglio, l'atmosfera si fa più sospesa, il significato delle rappresentazioni più incerto. L'esperienza concreta (il muro, il cortile, quella antica porta socchiusa) si apre a differenti interpretazioni. Riflessioni sul trascorrere del tempo e sul nostro rapporto con gli oggetti. Generate da una fredda passione analitica, queste fotografie nascondono una cifra che brucia.
A photograph that develops from firm premises of a realistic framework, the desire seems to be to identify and extract from the grand theater of the world a series of selected objects that can rise to emblems. The eloquent inscriptions ("The Certainty") left above the wall of a suburban neighborhood, the mechanical details kept inside a mysterious machine, a stalls of empty seats - corroded by the weather - inside a deserted outdoor arena. Visions rendered in dense black and white, often highly contrasted, with very black shadows that can take on the weight of impenetrable sheets and become the protagonists of the image. It is probably the use of black and white that distances Carlo Zei's photographic work from the realism that seemed to be the main depth of the images. On closer inspection, the atmosphere becomes more suspended, the meaning of the representations more uncertain. The concrete experience (the wall, the courtyard, that old ajar door) opens up to different interpretations. Reflections on the passage of time and our relationship with objects. Generated by a cold analytical passion, these photographs conceal a burning figure.
CARLO ZEI, nato nel 1961, cresce nel porto militare di La Spezia, frequenta l’Accademia Navale di Livorno, la facoltà di Ingegneria a Firenze e si laurea in Lettere sullo Strutturalismo. Poi si trasferisce negli Stati Uniti dove ottiene un Master e un PhD in Letteratura Comparata dalla Cornell University. Ha insegnato letteratura alla Cornell University, University of Rochester, Bard College e poi, rientrato in Italia, nei dipartimenti fiorentini della New York University, Georgetown University, e molte altre. Scrive racconti, ama il Jazz e il piano. Ha illustrato integralmente un numero della rivista americana “Diacritics” (John Hopkins U.P.) con una serie di fotografie. I suoi scatti sono stati esposti nelle mostre “Appuntamento alla Stanza 251” (Firenze, Zona B, 2013), “An Evening with Stanza 251” (Montestigliano, Azienda Agricola Montestigliano, 2013), "Elementi di geografia sentimentale" (Livorno, Egg Visual Art, 2015, a poi alla Galleria Studio 38, (2016) e Georgetown University at Villa le Balze, Fiesole (2016). Insieme a Stefano Loria è co-fondatore di Stanza 251.
CARLO ZEI, born in 1961, grew up in the military port of La Spezia, attended the Naval Academy in Livorno, the Faculty of Engineering in Florence, and graduated in Humanities on Structuralism. He then moved to the United States where he obtained a Master's degree and PhD in Comparative Literature from Cornell University. He taught literature at Cornell University, University of Rochester, Bard College and then, back in Italy, in the Florence departments of New York University, Georgetown University, and many others. He writes short stories, loves jazz and piano. He fully illustrated an issue of the American magazine "Diacritics" (John Hopkins U.P.) with a series of photographs. His shots have been exhibited in the exhibitions "Rendezvous at Room 251" (Florence, Zona B, 2013), "An Evening with Stanza 251" (Montestigliano, Azienda Agricola Montestigliano, 2013), "Elements of Sentimental Geography" (Livorno, Egg Visual Art, 2015, a then at Studio 38 Gallery, (2016) and Georgetown University at Villa le Balze, Fiesole (2016). Together with Stefano Loria, he is co-founder of Stanza 251.
Carlo Zei in Stanza 251: